Weaving the Net of Desire, Controlling the Position of Libido
Kho, Chung-hwan / Art Critique

Overlapping images and a hazy viewpoint on desire –almost all the pieces done by artist Horyon Lee are entitled Overlapping Image to present “overlapping image”. Thus, the overlapping images are the crucial elements which help to understand his paintings.
Just like overlapped images, the term “overlap” refers to the frame of the first image occupying the same area as other images. Rather than traditional paintings, photography is much more effective when expressing overlapping frames; despite the fact that the artist’s pieces are classified as paintings, they are closer to photography. In his painting, the texture of photography has been used and reproduced –we can define such style as a photo-like picture(photorealism). In reality, the artist took several photos of the model standing in a specific pose. The photos are then composed together via Photoshop, and the finalized product is painted on canvas.
In this chain of process, a step called “production” is added, giving birth to a sensitive relationship with reality. In other words, painting is the reproduction of reality; however, it is not a reproduction of accurate reality. It looks real, but a situation has been set up, and a theatrical situation has been directed; as a result, it produces a mise-en-scene, which projects a vague image about desire.
With this, Lee’s paintings show the multiple layers of overlapping. The ordinary usage for overlap is when something laps over or covers another object, but the meaning of overlap in this context is not limited in this sense. The categorization for overlap broadens out from the frame (image). When a frame overlaps with another frame (an idea brings out new idea), the meaning of the ideas overlap (an idea draws out a different meaning), then the meaning overlaps with another meaning (a meaning gives birth to a new thought), and the ideas overlap with meaning (a meaning brings out a new idea).
Even though the overlapping method can been seen and the surface condition is one top of one another, it is separated at the internal layer; thus the point is that the true meaning of overlapping is perfected, not at the external or top layer but at the internal layer, and it is not simply piled one on top of the other, but is separated (The overlapped images is the semantic representation of separation).
The subject becomes separated from the world, and with the subject as its medium, the world divides itself into idea and meaning, and that meaning is sub-categorized into another meaning.
Therefore, the world can never be reproduced on its own, but works through an opportunity where a meaning gives birth to another meaning, and we can never hold onto the ideology that all things are the same.
The explanation about the world is an act of adding another meaning to it, and explaining such meaning would just be an interpretation, adding another meaning to it. Similar to this aspect, an idea with a new idea, an idea and a meaning, a meaning with another meaning, having meanings and ideas pile onto one another, and splitting up (in reality it’s separation) the world becomes divided into idea and meaning, and so far, the idea and meaning becomes self-sufficient, separated from the world.
Thus, the external appearance of the overlapping images are piled one onto the other, but is separated in the inside, so the essential meaning of overlapping is that the perfected point is not on the surface but it’s in the inside of the overlapping images, and it’s not piled one onto the other, but is set apart. (Overlapped images are a presentation of the separation analysis.
The subject is set aside from the world, and with the intervention of the subject, the world is divided into idea and meaning, and the meaning is sub-categorized into a new meaning. Like this, the world itself can never be reemerged, and is only processed through the foothold where a meaning brings a new meaning. The explanation about the world is just an act of having a meaning added onto the world, and the explanation for that action gives birth to a new meaning – thus, the cycle of the analysis process continues.
As a result, there is a repetition of ideas and thoughts, interrelating with one another through an idea and new ideas, thoughts and meanings, meanings and new meanings (separated from the truth), and so far, the idea and thoughts have become an irrelevant self-sufficient category from the world.
Like the artist and the overlapping images, the boundary distinguishes between the meaning and meaning, the signifiant (poles) and the signifié, the images and meanings, and in particular, the reiteration of image and desire, separating the vague relationship.
In the relationship detonated from the negotiation between overlapping and the general concept, the image is interlocked intimately with desire (jointly). Then, the subject labeled image will (then) become visible (become an object) refers to the visible information.
Then, why does the main subject make the objects, the world, and the targets visible (the images)? Through an act of seeing, one throws in their desire (what you see is that you desire), making the objects, the world, and the targets visible (the images). When talking about the core points, what we see is not the world itself, but what you see is just what you want to see (or things you want to see), so it’s not seeing the world objectively, but is seeing the world subjectively. At the same time as seeing the world, you get to desire about the world. Here, there’s a harmony mediation of the sight (the viewpoint of the main subject), the gaze (the object’s viewpoint targeted by the main subject), and the confidential but open seduction and voyeurism comes out into the public, progressing towards a breath-taking psychological game. The object of seduction and the voyeurism looks like it’s leaning towards the main subject, but in reality, it should be seen as mutuality and comprehension.
In the case of Lee’s paintings, the layers of multiple meaning of overlapping is revealed, and the double and self aspects on viewpoints and gazes, seduction and voyeurism, revealing and hiding (or just hiding) is portrayed, and through them, the vague object of desire is shown. In particular, the same overlapping subject (the model) is shown as one overlapping image, and that itself is a direct prediction of the self-division of desire from the subject.
The mise-en-scene of slippers and desire. Like this, the latest work of Lee is basically a continuation of his previous works. In particular, the sensual development of overlapping is substituted as a psychological device, thus the psychological weaving of the viewpoint and gaze, seduction and voyeurism, revealing and hiding will become tighter.
A fair distance is created, distinguishing the difference between the model and the artist, and unlike the previous method of getting a close-up of the model, the method has been changed so that the model is created at the same time as the background.
Here, due to the artist, the model can be seen as an objective character or a subjective character, and like this, the ideology of making the model an object becomes clear when the close-up of the model is drawn from the artist’s point of view (here the viewpoint is desire in reality, and the artist’s viewpoint is the viewpoint of the audience, and desire is increasingly reproduced).
The distance between the model and the artist symbolizes the actual distance, and at the same time, it also represents the psychological distance. In alliance with this, the viewpoint of the close-up makes the interconnections between the object and its situation disappears (and the objects are emphasized). In reality, all objects are intertwined in a terminable relationship with another object, but once we lose that interconnection, abstraction takes over, and the real motif plunges to become an abstract object.
From this, we can understand the background and the source of the latest work of the artist, which overcame abstract and acquired reality. Thus, in his latest piece, the artist maintained a fixed distance with the model, and at the same time, created a psychological distance, so that when the model is confronted, the breath-taking desire and objectiveness changes the empty space (space sense). The law of confrontation is more lightly analyzed and applied (using the model as an object, thus strengthening the matter, but there is a deep relationship from the tension created when confronting desire) and has a connection with the truth.
The crucial point of the artist’s latest work is that it’s set in the time and space of reality, and we can consider the sensual analysis of light. Light is the main element of changing the shape of an object and its color. The light makes the model’s flickering dress sway more, softens up the model’s already soft skin, and changes the visual object into a touchable object. Even if it was not the window drawn in the painting, the elements of light in the artist’s painting are more interior scene-like (in this case, similar to Vermeer) than a luminous light, and the senses and touch from this light continue on in the texture.
In addition to the psychological factors from the overlapping images, the use of light changes the visual object into a touchable object and the sensual temperaments are added onto this, creating a new path for the artist’s desire weaving, making it more exquisite and sensual.

욕망의 그물 짜기, 리비도의 수위를 조절하기

고충환(Kho, Chung-Hwan 미술평론)

오버랩 된 이미지와 욕망의 모호한 대상성. 이호련의 그림에는 하나같이 오버랩 된 이미지라는 제목이 붙어있고, 그림도 그렇다. 해서, 오버랩 된 이미지는 작가의 그림을 이해하게 해주는 결정적인 단서가 된다. 오버랩이란 오버랩 된 이미지처럼 하나의 상에 다른 상이 겹쳐 보이는 것을 말한다. 이처럼 겹쳐 보이는 상을 표현하기 위해선 정통적인 회화보다는 사진이 더 효과적이며, 따라서 작가의 그림은 비록 회화이지만 생리적으로 사진에 더 가깝다. 사진의 질감과 생리 그대로를 전용하고 재현한 그림 즉 사진 같은 회화(일명 포토리얼리즘)로 정의할 만 하다. 실제로 작가는 모델로 하여금 특정 포즈를 취하게끔 연출한 후 그 포즈를 여러 장의 사진으로 찍는다. 그리고 이렇게 찍은 사진을 포토샵을 통해 합성하고, 이렇게 합성된 이미지 그대로를 그림으로 옮겨 그린다.

이 일련의 과정에 연출이라는 과정이 개입됨으로 인해 현실과의 미묘한 관계가 생겨난다. 말하자면 작가의 그림은 비록 현실을 재현한 것이지만 현실 그대로를 재현한 것은 아니다. 현실 같지만 사실은 현실이 아닌 어떤 상황이 연출되고 있고, 일종의 연출된 현실이라고 부를 만한 극적 상황이 연출되고 있고, 이로써 특히 욕망의 모호한 대상성으로 부를 만한 미장센이 연출되고 있는 것이다.

이로써 작가의 그림은 오버랩의 다중적인 층위를 드러낸다. 오버랩의 일반적인 용법은 하나로 겹쳐진 상 즉 이미지를 의미하지만, 오버랩의 의미는 여기에서 그치지가 않는다. 즉 오버랩은 상(이미지)으로부터 의미로 그 범주가 확장된다. 상에 상이 겹쳐지고(하나의 상은 다른 상을 불러들인다), 상에 의미가 겹쳐지고(하나의 상은 어떤 의미를 불러일으킨다), 의미와 의미가 겹쳐지고(하나의 의미는 다른 의미를 불러온다), 의미에 상이 겹쳐지는 것이다(하나의 의미는 어떤 상을 불러일으킨다).

이로써 비록 겉으로 드러나 보이는 오버랩의 표면현상은 중첩이지만 정작 그 속뜻은 분리이며, 따라서 오버랩의 진정한 의미가 완성되는 지점은 표면현상이 아닌 속뜻에 있고 중첩이 아닌 분리에 있다(오버랩 된 이미지는 분리의 의미론적 표상이다). 이렇게 주체는 세계로부터 분리되고, 세계는 주체가 매개됨으로써 상과 의미로 분리되고, 그 의미 또한 다른 의미로 분리된다. 이렇듯 세계는 결코 세계 자체로서 재현되어질 수가 없고, 하나의 의미는 또 다른 의미를 불러오는 계기로써 작용할 뿐 결코 그 자체를 붙잡을 수가 없다. 세계에 대한 설명은 다만 그 세계에다 하나의 의미를 덧붙이는 행위가 되고, 의미에 대한 해명은 그 의미에다 또 다른 의미를 덧붙이는 해석행위가 되고 만다. 이렇게 상과 상이, 상과 의미가, 의미와 의미가, 의미와 상이 중첩되고 포개지면서(사실은 분리되면서) 세계는 상과 의미로 분리되고, 종래에는 그 상과 의미마저 세계와는 동떨어진 자족적인 존재성을 획득하기에 이른다.

작가의 오버랩 된 이미지는 이렇듯 의미와 의미, 시니피앙(기표)과 시니피에(기의), 이미지와 의미, 그리고 특히 이미지와 욕망과의 중첩되면서 분리되는 모호한 관계를, 그 경계를 드러낸다.

오버랩의 현상과 개념으로부터 촉발된 이 일련의 관계에서 이미지는 특히 욕망과 긴밀하게 연동된 것(공모하는 것)으로서 드러난다. 이를테면 이미지란 주체에 의해서 (비로소) 가시화된(대상화된) 시각정보를 말한다. 그렇다면 주체는 왜 어떻게 사물, 세계, 대상을 가시화(이미지화)하는가. 주체는 보는 행위를 통해서 사물, 세계, 대상을 가시화(이미지화)하는데, 자기의 욕망을 투사함으로써 그렇게 한다(보는 것은 욕망하는 것이다). 주체는 말하자면 세계 그대로를 보는 것이 아니라 사실은 자기가 보고 싶은 대로(혹은 보고 싶은 것을) 보는 것이며, 세계를 객관적으로 보는 것이 아니라 사실은 세계를 주관적으로 각색하는 것이다. 세계를 봄과 동시에 세계를 욕망하는 것이다. 여기에 시선(주체의 시각)과 응시(주체에 의해 대상화된 객체의 시각)의 헤게모니가 매개되고, 은밀하면서도 공공연한 유혹과 관음증이 드러나고 숨는 숨 막히는 심리극장이 전개되는 것이다. 여기서 유혹은 객체에게 그리고 관음증은 주체에게 일방적으로 속해져 있는 것 같지만, 사실은 상호간섭적이고 상호내포적인 경우로 봐야 한다.

이호련의 그림은 이렇듯 오버랩의 다중적인 의미의 층위를 드러내고, 시선과 응시, 유혹과 관음, 드러내기와 숨기(혹은 숨기기)의 이중적이고 자기분열적인 양상을 드러내고, 그리고 이를 통해서 무엇보다도 욕망의 모호한 대상성을 드러낸다. 특히 그림에서의 오버랩은 동일한 주체(모델)가 하나로 중첩된 이미지를 보여주고 있는데, 그 자체가 주체로부터 (아마도 주체의) 욕망이 분리되는 자기분열 양상을 거의 직접적으로 암시한다.

실내화와 욕망의 미장센. 이처럼 이호련의 근작은 기본적으로 전작과의 연장선에 놓여져 있다. 특히 오버랩의 감각적 현상을 심리적 장치로 전용하는 것이 그러한데, 이로써 시선과 응시, 유혹과 관음, 드러내기와 숨기기를 직조하는 심리적 그물 짜기는 아마도 더 촘촘해지리라 본다.

그러면서도 비교적 두드러져 보이는 차이로는 모델과 작가와의 사이에 상당한 거리가 조성됨으로써 자연스레 모델을 클로즈업하던 종래의 방식에서 모델과 함께 배경화면이 그려지는 식으로 변화한 점을 들 수 있다. 여기서 모델은 작가에 의해 객체화된 인격체 내지는 사물화된 인격체로 볼 수 있고, 이처럼 모델을 사물화하는 작가의 시각은 모델을 클로즈업할 때 더 극명해진다(여기서 시각은 사실은 욕망이며, 작가의 시각은 관객의 시각이며 욕망으로 확대 재생산된다). 모델과의 거리는 실질적인 거리를 의미하면서, 이와 동시에 심리적인 거리감을 의미하기도 하는 것이다. 이와 함께 클로즈업의 시각방식은 대상이 놓여진 상황과 관계맥락을 사라지게 해 그림을 평면화하고 추상화한다(그리고 대상의 사물화는 오히려 더 강화된다). 현실적인 모든 대상은 다른 대상과의 유기적인 관계의 맥락에 속해져 있기 마련인데, 그 관계맥락을 잃어버리는 순간 추상이 발생하며, 현실적인 모티브는 한갓 추상적인 대상으로 추락하고 만다.

이렇게 해서 작가의 근작이 추상성을 극복하고 현실성을 획득하게 된 배경과 연유를 이해할 수가 있게 된다. 즉 근작에서 작가는 모델과의 일정한 거리를 유지하고 심리적인 거리감을 조성해 모델을 직면할 때 작용하던 숨 막히는 욕망의 대상성을 관조와 여백의 공간(혹은 공간감)으로 바꿔놓고 있다. 정면성의 법칙(모델을 사물화해 즉 물성을 강화하는 한편, 욕망의 대상을 직면하는 것에서 오는 어떤 아찔함과 관련이 깊은)이 상대적으로 더 유연하게 해석되고 적용되고 있는 점 역시 이런 사실과 무관하지가 않다.

이와 함께 근작을 현실이라는 시공간의 자장 속에다 세팅해주는 결정적인 요인으로서 빛에 대한 감각적 해석을 들 수 있다. 빛은 사물의 형태와 색감과 질감을 결정하는 원인이다. 빛은 모델의 하늘거리는 옷을 더 하늘거리게 하고, 부드러운 피부를 더 부드럽게 감촉하게 하며, 시각적 대상을 촉각적 대상으로 전이시켜놓고 있다. 실제로 그림 속에 그려진 창문이 아니더라도 작가의 그림에서의 빛의 성분은 야광파의 빛보다는 실내화파(이를테면 베르미어와 같은)의 빛에 더 가깝고, 그 빛에 대한 감성과 질감과 결을 이어받고 있다.

오버랩 된 이미지의 심리적 전용에 이어 시각적 대상을 촉각적 대상으로 바꿔놓는 빛의 감각적 성질이 덧붙여져 작가의 욕망의 그물 짜기는 더 섬세하고 감각적으로 변화(진화?)해가리라 본다.