중견의 재미 한인 작가인 윤경렬의 작업을 단순한 "회화"라고 부를 수 있다면  입방체의 모습을 보여주는 그의  회화은  지난 3-4 년 동안  극적인 발전을 이루었다. 그의 작업은 시적이고 역동적인 그의 본성을  참신하고 예기치 못한 너무나 황홀한 무엇인가로 전환케 한다. 그의 소재에 관한 새로운 접근 방식은 본질적으로 회화적인 형태를 알루미늄 스크랩으로 성형되어지고 만들어진 저부조로 확장한다. 형태의 결과적인 덩어리들은 - 말하자면 튀어나온 것들 - 아름답지만 암묵적으로 적대적인 환경의 명확한 지형도와 산업 경관을 공중에서 바라 본 듯한 모습을 우리에게 제시한다. 이러한 입방체 회화는 은유적 공명과 촉각의 매력으로 가득 차 있다.

윤경렬의 그림에 대한 접근 방식에는 항상 시가 있었으며, 그는 30여년전 스페인에서 공부한 이래로 동과 서에서 형성된 감수성에 이르는 명확한 우아함을 가지고 그림을 그린다. 가슴에는 추상주의자로서 심지어 알아볼수 있는 주제의 그림에서도 그는 색의 화가로서 열정적이었으나, 제스처 화가로서는 자신을 억제하였다.  2015 년까지 윤경렬은 오일과 같은 전통적인 재료를 사용했다. 지도의 선형 추상화와 비행기에서 바라본 것 같이 생생한 토지, 도시, 시골의 투영 사이에 중간쯤 되어 보이는 땅조각들과 수로로 이뤄진 지도와 지형도를 보여 주는 듯한 구성들이 점점 많아졌다.

입방체회화 이전의 그의 작품에서 윤경렬은 전통적인 방식을 고수했다. 멋지고 그대로의 감동을 주는 초기 그림은 그의 젊은 시절의 지배적 사조였던 추상표현주의, art informel ,다른 대부분의 전후 스타일이 합쳐진 것이다. 그의 입방체시리즈는 그의 예전 작업의 재료의 풍요로움에 새로운 차원을 달성하였으며 역동적인 이미지를 지적할 수 있다. 그의 입방체작업은 그의 회화적 실천을 조각으로 확장시키고 논리적으로 그림에서 파생 될 수없는 종류의 저부조가 된다. 알루미늄 껍질의 이 두꺼운 무리는 입방체 조각의 표면을 완전히 덮거나, 단색 (예를 들어 적색, 또는 금속에서 침출되는 은빛 회색)의 거대하고 바닥이없는 좁은 막으로 단절되어지며,  2 차원의 패턴 과 3 차원 텍스처로 입방체의 표면을 생기롭게 한다.  각 모양은 붓질 대신 사용된다. 각 모서리는 선 대신 사용된다.

 

입방체 입문 작품 중 일부는 (이들을 "회화"로 부르고 싶은 유혹이 있으나 이 작업들은 이러한 제한적인 설명을 벗어난다.) 마치 공중의 시선을 은유하여 산업 구조의 줄을 위에서 바라본 듯 보여진다. 이것은 지금은  비행기로 많은 사람들이 여행을하는 것을 고려할 때  21 세기에 흔히 볼 수있는 광경이다. 그러나 윤경렬은 어떤 종류의 지형학적 사실주의를 구태의연하게 만들려하는 것이 아니다. 그의 부조들은 우리가 앉아서 편안하게 볼 수있는 꿈의 버전과 같이 그 자체로 이상하고, 촉각적이며 빛난다. 대조적으로 덜 쉽게 암시하는 - 논란의 여지는 있지만  "순수하게 추상적인" – 입방체의 조각들은 반사되는 조각의 계곡으로 쏟아지고 있고 그 밀집도는 놀라움을 주며 심지어 끊임없는 그 무리들은 두렵기까지하다. 그러나 그것은 기분좋은 delicious  두려움이다.

그 두려움은 우리의 생각을 환경 파괴의 현안으로 바꾼다. 어떤 관점에서 볼 때 입방체 시리즈는 아름다운 경고로 읽을 수 있다. 우리의 구조물, 심지어 산업 건물은 우리보다 오래 남을 수 있다. 이는 그것이 우리보다 튼튼하기 때문이 아니라 우리가 그것들을 우리, 그리고 생물체의 살아있는 공간에 번식할수 있도록 허락하였기 때문이다. 이 모든 알루미늄을 기괴하고 기념비적인 물건으로 재활용함으로써, 윤경렬은 자신의 작은 방법으로 세상의 종말을 향한 해결책에 기여한다. 입방체시리즈는 우리 자신을 잃어 버리는 것만큼 우리를 보전하는 것이다. 심지어 이 잃어버림 중에도 냉혹하고 절묘한 아름다움이 윤경렬의 새 작업에 있다. 그의 작업은 우리를  두려움에 떨며도 안심케 한다. 인류가 그 뒤에 남긴것이 예술이기에.

글│피터 프랭크

The Cubic Inception paintings – if they can be called merely “paintings” – of Kyung Youl Yoon, realized over the past several years, have dramatically advanced the practice of the veteran Korean-American painter. They translate his native style, already lyrical and forceful, into something novel, unanticipated, and powerfully riveting. Kyung’s new approach to material extends what are in essence painterly forms into low relief through the use of molded and manipulated aluminum scraps. The resulting masses of forms – profusions of protrusions, you might say – strongly suggest aerial views of industrial landscapes, articulated topographies of beautiful but implicitly hostile environments. The Cubic Inception paintings brim with both metaphorical resonance and tactile allure.

 

There has always been poetry in Kyung’s approach to painting, and ever since his studies in Spain three decades ago he has painted with a readily articulated grace, accessing a sensibility formed in both East and West. An abstractionist at heart even when painting recognizable subject matter, Kyung has been energetic as a color painter and, at the same time, restrained as a gestural painter. Until 2015 Kyung had employed oils and other more or less traditional media in the realization of compositions that were becoming increasingly suggestive of both cartography and topography, of land masses and waterways described in a manner halfway between the linear abstraction of maps and the vivid projection of land, urban and rural, one sees from above in an airplane.

 

In his work previous to the Cubic Inception series Kyung adhered to traditional practice. Handsome and moving as it is, this earlier painting maintains the conventions of abstract expressionism, art informel, and other, mostly postwar styles, the dominant modes of Kyung’s youth. The Cubic Inception series achieves a new level of material richness that his earlier work, however dynamic its imagery, can only point at. The Cubic Inception works extend Kyung’s painterly practice into sculpture, into a low relief of a kind that cannot logically be derived from painting. These thick clusters of aluminum shells, thoroughly covering the surfaces of the Cubic Inception pieces or interrupted with vast, bottomless swaths of a single color (red, for instance, or a silvery gray that seems to leach from the metal), animate the Cubic Inception surfaces with both two-dimensional pattern and three-dimensional texture. Each shape takes the place of a brushstroke. Each edge takes the place of a line.

 

Some of the Cubic Inception works (the temptation remains to call them “paintings,” but they evade this limiting description) present themselves as if they were swaths of industrial structures, seen from above – again, the metaphor of the aerial view. This is a common enough sight in the 21st Century, considering how many of us now travel by air. But Kyung is not fashioning any kind of topographical realism; his reliefs are strange, palpable, glistening in their presentness, a dream version of what we safely see from our seats. By contrast, the less readily suggestive – arguably more “purely abstract” – Cubic Inception pieces, cascades of reflective segments teeming down their supports, are striking for their very density, and even frightening in their ceaseless cluster. But it is a delicious fright.

 

Over the past year or two – notably, during the pandemic – Kyung has moved away from the architectural and topographic/cartographic suggestions that predominated in the earlier Cubic Inception works. He has come to favor the non-objective language emerging in the series, emphasizing repetition of elements and a restless, often explosive sense of movement. If Kyung is still evoking topography, it is geology rather than geography he conjures, the massive movement of tectonic plates, the fury of volcanoes, and the spectacular disintegration and destruction of tropospheric phenomena. Large image-forms are built up out of so many small segments, metallic and painterly by turn; the segments seem at once to comprise the large waves, flows, and bursts and to be carried away by the erupting planetary forces. In metaphoric terms, both circumstances pertain: nature works on many scales at once, and in many contexts at once. What these latest Cubic Inception works affirm is that we humans are very small factors in the process of natural evolution; we may be having an outsize effect on our ecology, but most of nature exists beyond that ecology. Fire and ice – fundaments these new relief-paintings evoke broadly -- may spell our doom, but they are integral to earth’s character.

 

These new works, then, depict the calamity of the living and the evolution of the earth. From a certain point of view the Cubic Inception series can be read as a beautiful warning: our structures, and our planet, will outlast us – our structures not because they are more durable than we are, but because we allow them to proliferate into what should be our, and the biome’s, living space. By recycling all this aluminum into strange and monumental objects, Kyung Youl Yoon has contributed to the solution, acting in his own small way against the end of the world. But the world isn’t ending; we are. The Cubic Inception series is as much about saving ourselves as losing ourselves. Even in the losing, however, there is a cold, exquisite beauty to these new works of Kyung’s that provides grim reassurance:  what humankind leaves behind will be art.

Writing│ Peter Frank