In Between State

What does it mean to see? Vision is often the first sense through which we encounter the world, arriving before language and preceding explanation. Yet the understanding it offers is not necessarily intellectual or analytical. Rather, it emerges through embodied perception—a sensory experience that settles within us before it can be articulated. In Between State brings together the works of Armando Chant and Sungmin Park, two artists whose practices explore the act of perception itself and the ways in which images are continually dismantled and reconstituted through material and sensory processes.

Although distinct in form and approach, both artists engage in a sustained investigation of transformation. Their works emerge through repeated acts of construction and dissolution, challenging fixed images and opening them to new possibilities of meaning and experience.

Armando Chant begins by isolating fragments from photographic scenes and reconfiguring them into unfamiliar spatial and temporal landscapes. The diverse materials and techniques employed throughout his practice extend beyond formal experimentation; they function as agents in the creation of new sensory worlds. On the canvas, disparate materials encounter one another in a delicate balance of tension and harmony, generating surfaces that oscillate between image and sensation.

In Chant’s embroidered works, hand-stitched threads traverse linen surfaces through repetitive gestures, tracing time and space through the body. The tactile quality of these works transforms physical labor into visual experience. Similarly, his use of staining techniques introduces a sense of diffusion and permeability. Unlike embroidery, which sharpens and defines the image, dyed surfaces blur visual certainty, encouraging multiple modes of seeing. Through cycles of marking and erasure, construction and collapse, clarity and obscurity, Chant’s paintings move beyond what is immediately visible, revealing latent images and perceptual possibilities. The resulting works are accumulations of duration and spontaneity, control and chance, materiality and sensation.

Sungmin Park’s paintings, by contrast, emphasize the flatness and abstraction of the pictorial surface. Yet beneath their refined appearance lie densely layered accumulations of matter, memory, and perception. Motifs that appeared explicitly in earlier works—such as ceramics and ice—have gradually undergone transformation, becoming abstract visual structures rather than recognizable objects. The meticulously rendered textures of ceramic surfaces and the intersecting vertical and horizontal brushstrokes simultaneously evoke material presence and establish compositional order. Fields of color both define and transgress boundaries, reflecting the mutable nature of ceramic and ice while generating rhythms of absorption and reflection across the canvas. Layers of urethane and resin, applied with deliberate intention, produce matte or glossy surfaces that further emphasize states of fluidity and transformation. In Park’s work, the more intensely a subject is articulated, the more it dissolves into abstraction, creating a productive tension between representation and non-representation.

The works of both artists are therefore less concerned with fixed structures than with ongoing processes. Rather than presenting completed forms, they inhabit states of continual becoming. Traces left upon the surface resist resolution into singular images, oscillating instead between emergence and disappearance, concentration and dispersion. As viewers navigate these shifting conditions, painting unfolds not as a static image but as an ever-expanding perceptual landscape. The exhibition title, “In Between State”, reflects this condition and invites reflection on how we experience and understand the world. Here, the notion of “between” signifies the spaces that separate and connect representation and abstraction, materiality and immateriality, memory and sensation. “State” refers not to a fixed condition but to a dynamic field in which forms, perceptions, and meanings intersect and evolve.

Perhaps seeing is not an act of fully comprehending or naming what stands before us. Perhaps it is an act of remaining within the continual flow of perception itself. In this space, painting ceases to function merely as a medium of representation and instead becomes a site where the world is encountered through sensation. Following the subtle resonances and lingering vibrations that arise there, “ In Between State “ opens a space for imagining new ways of relating to the world around us.

Text l Sohee Lim (BHAK Curator)

본다는 것은 무엇일까. 시각은 가장 먼저 세계에 닿는 감각이며, 때로는 설명보다 앞서 이해에 도달하게 된다. 그러나 여기서의 이해는 논리적인 해석이라기보다 몸으로 스며드는 감각의 경험에 가깝다. 어떻게 바라보고 경험하게 되는가에 대한 감각의 행위로서의 이해인 것이다. 《알만도 찬트, 박성민 : 사이의 상태 In Between State》는 이러한 지각 경험에 집중한 작업적 태도를 작품 주제로 삼는 알만도 찬트와 박성민의 작품을 조명한다.

작업은 서로 유사하면서도 상이한 형식과 개념을 드러내지만, 모두 어떤 대상이 지닌 기존 이미지를 해체하고 다시 구축하는 과정의 반복을 통해 탄생한다. 먼저 알만도는 사진 속의 장면 일부를 포착한 뒤, 이를 낯선 시공간적 풍경으로 재구성한다. 이때 작업에 사용된 다양한 매체와 표현 방식은 단순히 기법적인 측면에 국한되지 않는다. 이는 이질적이면서도 조화로운 서로 다른 재료가 캔버스 위에서 마주치며 새로운 감각의 세계를 생성하는 과정에 가깝다.

예컨대 알만도의 작업에서 손자수로 린넨에 새겨진 화면의 촉각적인 질감은, 실을 꿰는 반복적인 제스처를 통해 몸으로 시공간을 더듬어 나가며 그 감각을 시각화한 결과물이다. 작업의 바탕을 이루는 색면에 활용된 염색칠 또한 마찬가지인데, 바탕면은 자수처럼 이미지를 시각적으로 선명하게 부각시키는 특징과 달리 스며들고 번지는 표면의 시각 효과를 통해 우리의 고정된 시선을 흐림으로써 다각적인 시선을 획득하도록 한다. 작업은 그리기와 지우기, 새기기와 흐리기, 쌓기와 무너뜨리기처럼 서로 대조되는 행위의 반복을 거쳐, 보이는 것으로부터 출발하여 보이지 않는 것 그리고 새롭게 보이는 것을 추적하고 열어 보이는 것이다. 그 과정은 긴 시간과 찰나의 순간, 통제와 우연, 물질과 감각의 교차를 통해 하나의 응집된 화면을 구축하기에 이른다.

한편, 박성민의 작업은 알만도와 달리 표면을 하나의 질감으로 마감하여 작업의 평면성과 추상성이 더욱 두드러진다. 그러나 그의 작업 역시 오랜 시간 퇴적된 지층처럼 여러 물질과 감각이 층층이 존재한다. 이는 전작에서 재현의 대상으로 등장했던 도자기와 얼음과 같은 특정 도상이 추상의 형태로 변형된 것이다. 세밀하게 묘사된 도자기의 흠집과 수직과 수평이 교차되는 붓자국은 도자기의 질감을 재현하면서 동시에 화면의 안정적인 구도를 형성한다. 화면의 경계를 구분하면서도 침범하는 색면은 기온에 따라 물질을 달리하는 도자기와 얼음의 특성을 담으며 동시에 화면의 운동감을 만들어 캔버스 안에서 끊임없이 생성되는 이미지를 감각하게 한다. 색면 위로는 의도에 따라 우레탄이나 레진 미디엄이 도포되는데, 무광 혹은 유광의 질감으로 구현되는 각각은 마찬가지로 유동하는 물성을 감각하도록 한다. 이처럼, 작업은 특정 대상이 더욱 적극적으로 표현되고 있지만, 그 형상은 오히려 추상의 형태로 드러나는 역설적인 결과를 낳는다.

두 작가의 작업은 구조적이기보다 과정적이며, 완결된 형태이기보다 시시각각 변화하는 상태에 가깝다. 화면 위에 남겨진 흔적들은 하나의 이미지로 수렴되기를 거부한 채 생성과 소멸, 응집과 분산의 운동을 반복하고, 관객의 시선은 그 사이를 유영하며 회화를 고정된 장면이 아닌 끝없이 확장되는 풍경처럼 경험하게 된다. 전시 제목 “사이의 상태 In Between State”는 바로 이러한 경험을 전제로 우리가 세계를 인식하는 방식을 되묻는다. 여기서 ‘사이(Between)’는 재현과 비재현, 구상과 추상, 물질과 비물질, 기억과 감각 사이의 간극을 의미한다. 그리고 ‘상태(State)’는 어느 한 지점으로 귀결되지 않은 채, 서로 다른 형태와 감각, 그리고 의미들이 교차하는 관계 속에서 생성되는 다양한 현상을 가리킨다.

어쩌면 우리가 바라본다는 것은 대상을 온전히 이해하거나 명명하는 일이 아니라, 끊임없이 변화하는 감각의 흐름 속에 자신을 놓아두는 일에 가까울지도 모른다. 그곳에서 회화는 더 이상 무엇을 보여주는 매체가 아니라, 세계가 감각으로 다가오는 순간을 붙잡는 하나의 장(場)이 된다. 전시는 바로 그 곳에서 발생하는 감각의 진동과 여운을 따라가며, 우리가 세계와 관계 맺는 방식의 또 다른 가능성을 펼치는 시간이 될 것이다.

글 l 임소희 (BHAK 큐레이터)